Imágenes ambiguas
Imágenes ambiguas: fuente asequible de descubrimiento de nuevas ideas.
Se deja al lector la interpretación de esta imagen presuntamente "erótica".
Como es difícil generar ideas creativas, a continuación se propone un método relativamente fácil para generar modelos altamente imaginativos, el método consiste en combinar dos elementos totalmente dispares pero que por su morfología se pueden conjugar; las imágenes que aparecen en las fotos siguientes resultan tan obvias que no es necesario explicarlas.
Se deja al lector la interpretación de esta imagen presuntamente "erótica".
Como es difícil generar ideas creativas, a continuación se propone un método relativamente fácil para generar modelos altamente imaginativos, el método consiste en combinar dos elementos totalmente dispares pero que por su morfología se pueden conjugar; las imágenes que aparecen en las fotos siguientes resultan tan obvias que no es necesario explicarlas.
El estudio de la luz
La luz es un tipo de energía radiante que actúa mediante partículas y ondas. La luz configura las formas mediante su posición, puede ser natural o artificial, la primera fuente proviene del sol y es más intensa que la segunda.
La luz artificial aunque es menos intensa que la solar, aumenta con la aproximación de la fuente de luz al objeto. Si la luz proviene de un único foco las sombras son más definidas y tienen más contraste, cuanto más intenso es el foco de luz el contraste entre la luz y la sombra también será mayor. Éste efecto de alto contraste puede generar cierto dramatismo en la imagen.
Las formas son visibles gracias a la luz que se propaga en línea del recta y que al encontrar un cuerpo genera zonas de sombra y penumbra. Cuando un rayo de luz incide perpendicularmente sobre un cuerpo la luz es más intensa, es lo que llamamos una luz directa.
canvaz.com
Sorolla es el pintor de la luz por excelencia.
La luz natural es la que proporciona el sol que debido a su gran distancia se puede considerar constituido por rayos paralelos. Los rayos de sol incidentes que están anteriores a un cuerpo proyectan la sombra hacia atrás y por efecto de la perspectiva las sombras paralelas concurren en un punto, si son horizontales, sobre la línea del horizonte. Si los rayos incidentes sobre el cuerpo están posteriores a él, proyectará la sombra hacia adelante, siguiendo las mismas líneas de la perspectiva del caso anterior.
El tenebrismo, tendencia surgida en el siglo XVII, busca exaltar el volumen mediante el contraste por la luz concentrada en una zona sobre un fondo de tiniebla.
Los impresionistas en el siglo XIX también hicieron un profundo estudio de la luz natural al incorporarla a sus cuadros.
La luz crea ambientes y comunica sensaciones singulares, por ejemplo en el siglo XIII en el arte gótico se buscaban soluciones para que los templos tuvieron gran iluminación aligerando muros mediante grandes ventanales y rosetones cubiertos por vidrieras coloristas.
Estudio de la luz en un crepúsculo.
Cuando un foco de luz incide en un objeto se genera una zona iluminada mientras que en su zona opuesta en la que no recibe luz se oscurece, entre ambos existe una gama de grises del claro al oscuro. A esta gama de grises se le conoce como gama de valores o de tonos, siendo el blanco y el negro valores extremos y los del medio valores intermedios. Cuando incide la luz sobre el objeto arroja una sombra fuera que se llama sombra arrojada o proyectada mientras que la sombra del mismo objeto se llama sombra propia. Si el relieve de un objeto genera sombras sobre sí mismo decimos que esas sombras son autoarrojadas.
En las zonas de sombra los detalles se pueden seguir apreciando aunque tengan menos luz, la separación entre la luz y la sombra se llama línea separatriz y define la forma del objeto pudiendo coincidir con una generatriz del mismo.
Las sombras proyectadas son por lo general más oscuras que las propias, si la luz está dirigida las sombras son más duras y definidas. Cuanto más pequeño sea el foco de luz más nítida es la línea que separa la luz de la sombra arrojada. Si la iluminación es difusa las sombras son suaves y desdibujadas. Los objetos brillantes reflejan su entorno de forma viva y las sombras pueden ser más acusadas que en un objeto rugoso, mientras que los objetos mates generan reflejos más tenues y sombras más veladas. Los objetos claros generan sombras acusadas por efecto de contraste mientras que los oscuros dan sombras menos acusadas por el mismo efecto.
Si tenemos en consideración el color de los objetos, las superficies más iluminadas se interpretan en un tono medio del color más blanquecino o amarillo, según sea el tono de la luz. Las superficies que reciben una luz media tienen el color propio y las menos iluminadas tienen en su sombra propia el color complementario.
A continuación se muestran algunas páginas sobre el cálculo de los efectos de la luz en el dibujo:
http://sombras-en-perspectiva-conica.blogspot.com/
http://reloj-de-sol.blogspot.com/
Efectos de la luz y el color de las sombras:
La luz artificial aunque es menos intensa que la solar, aumenta con la aproximación de la fuente de luz al objeto. Si la luz proviene de un único foco las sombras son más definidas y tienen más contraste, cuanto más intenso es el foco de luz el contraste entre la luz y la sombra también será mayor. Éste efecto de alto contraste puede generar cierto dramatismo en la imagen.
Las formas son visibles gracias a la luz que se propaga en línea del recta y que al encontrar un cuerpo genera zonas de sombra y penumbra. Cuando un rayo de luz incide perpendicularmente sobre un cuerpo la luz es más intensa, es lo que llamamos una luz directa.
Cuando los rayos de luz dejan de incidir perpendicularmente empieza a parecer una zona de sombra. La sombra del objeto se llama propia y la que proyecta sobre otro objeto se llama arrojada. Todos los objetos reflejan la luz produciendo zonas más claras en las sombras llamadas reflejos.
canvaz.com
Sorolla es el pintor de la luz por excelencia.
La luz natural es la que proporciona el sol que debido a su gran distancia se puede considerar constituido por rayos paralelos. Los rayos de sol incidentes que están anteriores a un cuerpo proyectan la sombra hacia atrás y por efecto de la perspectiva las sombras paralelas concurren en un punto, si son horizontales, sobre la línea del horizonte. Si los rayos incidentes sobre el cuerpo están posteriores a él, proyectará la sombra hacia adelante, siguiendo las mismas líneas de la perspectiva del caso anterior.
La luz artificial es aquella que está producida por un punto de luz como una lámpara, esto hace que los rayos sean divergentes desde el punto de luz. Cuanto más cerca está el punto de luz respecto al objeto que ilumina, más divergentes son los rayos.
Existen grandes artistas que han estudiado la luz en profundidad, entre ellos tenemos al pintor tenebrista Caravaggio, tenemos también en España a los pintores del barroco como Ribera, Zurbarán, Velázquez, etc. Estos artistas estudiaron la alternancia inmediata entre zonas de luz y zonas de oscuridad, lo que se llama claroscuro, creando zonas de sombra y penumbra de alto contraste respecto a la luz.
trivialeros21.foroactivo.net
800 × 657 - Georges de La Tour "El recién nacido". Pintura tenebrista
El tenebrismo, tendencia surgida en el siglo XVII, busca exaltar el volumen mediante el contraste por la luz concentrada en una zona sobre un fondo de tiniebla.
Los impresionistas en el siglo XIX también hicieron un profundo estudio de la luz natural al incorporarla a sus cuadros.
La luz crea ambientes y comunica sensaciones singulares, por ejemplo en el siglo XIII en el arte gótico se buscaban soluciones para que los templos tuvieron gran iluminación aligerando muros mediante grandes ventanales y rosetones cubiertos por vidrieras coloristas.
Estudio de la luz en un crepúsculo.
Obra de Mª Paz Gulias Nantes
Cuando un foco de luz incide en un objeto se genera una zona iluminada mientras que en su zona opuesta en la que no recibe luz se oscurece, entre ambos existe una gama de grises del claro al oscuro. A esta gama de grises se le conoce como gama de valores o de tonos, siendo el blanco y el negro valores extremos y los del medio valores intermedios. Cuando incide la luz sobre el objeto arroja una sombra fuera que se llama sombra arrojada o proyectada mientras que la sombra del mismo objeto se llama sombra propia. Si el relieve de un objeto genera sombras sobre sí mismo decimos que esas sombras son autoarrojadas.
En las zonas de sombra los detalles se pueden seguir apreciando aunque tengan menos luz, la separación entre la luz y la sombra se llama línea separatriz y define la forma del objeto pudiendo coincidir con una generatriz del mismo.
Las sombras proyectadas son por lo general más oscuras que las propias, si la luz está dirigida las sombras son más duras y definidas. Cuanto más pequeño sea el foco de luz más nítida es la línea que separa la luz de la sombra arrojada. Si la iluminación es difusa las sombras son suaves y desdibujadas. Los objetos brillantes reflejan su entorno de forma viva y las sombras pueden ser más acusadas que en un objeto rugoso, mientras que los objetos mates generan reflejos más tenues y sombras más veladas. Los objetos claros generan sombras acusadas por efecto de contraste mientras que los oscuros dan sombras menos acusadas por el mismo efecto.
Si tenemos en consideración el color de los objetos, las superficies más iluminadas se interpretan en un tono medio del color más blanquecino o amarillo, según sea el tono de la luz. Las superficies que reciben una luz media tienen el color propio y las menos iluminadas tienen en su sombra propia el color complementario.
A continuación se muestran algunas páginas sobre el cálculo de los efectos de la luz en el dibujo:
http://sombras-en-perspectiva-conica.blogspot.com/
http://reloj-de-sol.blogspot.com/
Efectos de la luz y el color de las sombras:
Dibujo a pluma
El dibujo a pluma es aquel que se realiza con negro absoluto sobre blanco, sin grises ni medias tintas. Se puede utilizar la plumilla, el rotulador negro, un bolígrafo negro, pincel, tiralíneas, etc.
Para trabajar a tinta se suele utilizar una caña cortada en bisel con una punta afilada mediante un cuchillo como la forma de un lápiz y se le hace longitudinalmente un corte con un hueco en la parte superior de la ranura para que coja la tinta y la pueda descargar poco a poco.
El dibujo a pluma tiene como elemento fundamental en su estructura la línea, juega sobretodo con el grueso y la expresión caligráfica de ésta. Las sombras y medios tonos se logran mediante un cruzado de líneas que según su proximidad intensificarán aquellas zonas a las que interesa dar más sombra.
Expresividad en el rostro. Bernini
Expresión espontánea
Allí donde se quiere hacer más detalle se puede utilizar el difumino para degradar los tonos, como pasa en los detalles de la anatomía del dibujo, mientras que en las zonas del fondo, en las que no interesa realzar, los trazos están menos cuidados y sin degradar aunque borrosos, para que se perciba como que está en un segundo plano conforme a la profundidad de campo, ésta es una zona nítida correspondiente al enfoque del objetivo o de nuestra visión.
Las manchas del carboncillo definen la figura y la anatomía del cuerpo. En los dibujos de carboncillo hay un estudio de la separación entre las luces y las sombras, un estudio sobre la profundidad de los distintos planos y sobre la atmósfera.
Dibujo a carboncillo con toques oscuros con lápiz compuesto.
Estudio anatómico de Leonardo da Vinci del movimiento del brazo y antebrazo, de las masas musculares al girar la muñeca hacia dentro, lo que se denomina pronación.
Desnudo de la p. wickstromstudio
Para trabajar a tinta se suele utilizar una caña cortada en bisel con una punta afilada mediante un cuchillo como la forma de un lápiz y se le hace longitudinalmente un corte con un hueco en la parte superior de la ranura para que coja la tinta y la pueda descargar poco a poco.
El dibujo a pluma tiene como elemento fundamental en su estructura la línea, juega sobretodo con el grueso y la expresión caligráfica de ésta. Las sombras y medios tonos se logran mediante un cruzado de líneas que según su proximidad intensificarán aquellas zonas a las que interesa dar más sombra.
El bodegón
Un bodegón, también conocido comonaturaleza muerta, es una obra de arte que representa objetos inanimados, generalmente extraídos de la vida cotidiana, que pueden ser naturales (animales, frutas, flores, comida, plantas, rocas o conchas) o hechos por el hombre (utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas, etc.) en un espacio determinado. Esta rama de la pintura se sirve normalmente del diseño, el cromatismo y la iluminación para producir un efecto de serenidad, bienestar y armonía.
Con orígenes en la antigüedad y muy popular en el arte occidental desde el siglo XVII, el bodegón da al artista más libertad compositiva que otros géneros pictóricos como el paisaje o los retratos. Los bodegones, particularmente antes de 1700, a menudo contenían un simbolismo religioso y alegórico en relación con los objetos que representaban. Algunos bodegones modernos rompen la barrera bidimensional y emplean técnicas mixtas tridimensionales, usando así mismo objetos encontrados, fotografía, gráficas generadas por ordenador o sonido y vídeo. http://es.wikipedia.org/wiki/Bodeg%C3%B3n
El estudio de la perfección
El arte es una disciplina altamente emotiva en la que los sentimientos se tratan de transmitir a partir de la obra. La obra de arte busca generalmente el encuentro con la sensibilidad, con la estética, ello es debido a que el artista trata de representar elementos que generen sensaciones de bienestar. Cuando un artista dibuja una marina o un paisaje agradable, genera en el espectador sensaciones de bienestar. Por ello es deseable que todos las obras de arte busquen la estética, ya que en el momento en que nosotros tomamos conciencia de las características favorables de las cosas naturales y de los elementos hechos por el hombre, los expresamos mediante obras y los transmitimos al resto de la sociedad, con objeto de que compartan nuestras sensaciones.
Al observar elementos naturales como unas flores, una puesta de sol, los reflejos en el mar, la perfección en el cuerpo humano, etc., observamos que al apreciarlos de forma atenta transmiten y proporcionan cierto goce espiritual, es un sentimiento innato aunque desarrollado mediante una mejor y mayor observación de sus detalles.
Los seres humanos tenemos distinta capacidad para ser receptivos a estos mensajes estéticos y todavía una capacidad más dispar para poder transmitilos. El artista al apreciar la obra natural y hacer su representación, estimula su sentido estético, su capacidad de percepción y de observación, desarrolla asimismo una mayor sensibilidad para sentir cada vez más elementos y otra capacidad para poder transmitirlos.
Todos las sensaciones que tenemos son captadas a través de los sentidos, la vista, el oído, el olfato, el gusto y el tacto. Una correcta e inteligente utilización de todos estos sentidos nos conduce al conocimiento sensible del mundo en el que vivimos. La capacidad artística estimula el hábito en la observación y nos pone de forma continua en contacto con el ambiente estimulando una observación consciente propia de personas con alta sensibilidad. Aquel que profundiza en la obra de arte y se hace partícipe de la misma puede descubrir grandes peculiaridades y posibilidades estéticas y plásticas, así como trasfondos científicos que se deducen de una simple e inteligente observación. Éste conocimiento artístico llega desde otras percepciones anteriores, desde una motivación interior y de una necesidad de ser partícipe de ese conjunto de emociones que genera la obra artística.
El mundo que nos rodea es un intenso y variado entramado de elementos con cierto sentido, tanto desde su forma, como desde su color, su función y su expresividad, etc. A la hora de representar una obra de arte, se nos requiere primero que seamos capaces de percibir distintos matices de lo que nos rodea, ser capaces de distinguir pequeños cambios, tonos, detalles, nos exige asimismo analizarlo y expresarlo de alguna manera. Intuimos el aspecto estético y útil de las cosas, lo interpretamos de una forma gráfica o volumétrica conforme a distintas técnicas que transmitan nuestra capacidad expresiva, lo transformamos bajo nuestro punto de vista y siguiendo las directrices de nuestra fantasía. Observamos los objetos, pensamos en sus colores, en su forma, en su viveza tonal, en las sensaciones que producen, todos estos elementos y muchos más lo sentimos hondamente y tras ser analizados y observados los representamos desde un punto de vista de nuestra estética, bien desde un punto de vista figurativo o desde una abstracción significativa, bien interpretando la realidad de una forma realista o bien deformándola de forma concreta, bien dependiente de sus interrelaciones o soslayando las mismas interpretando otras nuevas. El arte no tiene por qué imitar la realidad, es una nueva realidad, una búsqueda continua de algo nuevo que el artista transfiere como experiencia al resto de la humanidad.
En esta obra, "el David", de Miguel Ángel, podemos observar un estudio anatómico sobre la perfección en el cuerpo humano. La pose en contraposto es en extremo estética y se conjuga con el dominio de los detalles del cuerpo humano, así como una perfección total entre la relación de todas las partes.
La plumilla
Estudios de Miguel Angel realizados a tinta por la técnica de la plumilla. Los trazos son firmes y seguros, la curvatura de los mismos define la curvatura anatómica de los detalles corporales de las figuras, así como el movimiento de las poses. Las tramas cruzadas están perfectamente cuidadas definiendo las zonas de luz y de sombra.
La plumilla clásica de metal se inserta en mangos de plástico o madera, puede ser de cuerpo plano, de punta plana o redonda, de puntos para caligrafía, etc. Las más adecuadas para el dibujo son las que tienen la punta recta u ovalada, las que la tienen curva, plana o corta están concebidas más bien para trabajos de caligrafía. Ejerciendo presión sobre ella se abre ligeramente la punta y se vierte la tinta generando líneas algo más gruesas por efecto de la presión. Estos efectos dan carácter en el dibujo, para ello debemos cargar constantemente en el tintero la herramienta controlando la cantidad de tinta que admita y el tiempo para cada carga.
Normalmente el trazo suele ser breve y mediante líneas paralelas, ordenadas en distintas direcciones para construir el volumen y cuya superposición genera manchas de sombra. Se puede hacer tramas con líneas rectas o también con líneas curvas, si las líneas son curvas deben seguir la curvatura del volumen que dibuja.
Dibujo con cañas. Las cañas que están secas, se puede cortar en bisel por uno de sus extremos con un hueco en la parte superior y una ranura para hacer un depósito y canal de descarga de tinta respectivamente.
Los trazos hechos con la caña pueden ser muy expresivos, ya que se juega con el grosor y con el lado de la punta que se aplica sobre el papel. Si se sujeta como una pluma estilográfica el trazo es grueso y continuo variando la presión para darle mayor o menor fuerza al trazo. Cogido en forma de canto el trazo es más fino y menos estable, haciendo que cualquier oscilación genere un cambio en el grosor de la línea. La caña carga poca tinta en comparación con la plumilla por lo que hay que cargarla con asiduidad en el tintero. Los trazos del dibujo a caña son menos precisos y más inmediatos, las sombras que se pueden ejecutar son densas, por lo que se pueden hacer grandes masas de sombras. Se puede jugar asimismo con trazos degradados, escasos en tinta, la huella cada vez más tenue puede hacer un efecto de medias tintas, propiciando una técnica más versátil que la plumilla con estilográfica pero también bastante más compleja y difícil de trabajar.
Otro detalle a plumilla de un boceto a tinta de Miguel Ángel.
El estudio anatómico es muy profundo así como el análisis de los volúmenes mediante las luces y las sombras sobre la anatomía de la figura.
El arte y la expresión
En los retratos hay aspectos técnicos, formales y estéticos, dentro de los aspectos formales tenemos la espontaneidad y la expresión en la pose, fundamental para dar una riqueza a la obra de arte.
Hay pintores que han sabido captar el momento haciendo obras muy expresivas, como ejemplo el que observamos a continuación, en esta obra denominada Malle Babbe del pintor Frans Hals, aparece como si fuera una instantánea fotográfica capturada en el momento, la obra de arte es altamente expresiva.
Por lo demás la obra tiene una gran atmósfera (ha generado un espacio palpable al contraponer de fondo un degradado que aparece oscuro sobre las zonas claras de la figura y viceversa) y la figura se puede decir que está en movimiento, por lo que es una obra muy dinámica.
Baja aquí un libro sobre la pintura de Frans Hals:
En este detalle de una obra de Velázquez, "La fragua de Vulcano", aparece el gesto expresivo que denota sorpresa de este personaje. La técnica es soberbia y está hecha por restregados o arrastre del pincel medio seco sobre fondo oscuro ya seco. Las luces han sido puestas en su última fase mediante empastes, (con gran cantidad de pintura).
Descarga gratis aquí un libro sobre Velázquez:
1ª parte: http://www.box.net/shared/k6xgdneacs
2ª parte: http://www.box.net/shared/x18ulanby6
2ª parte: http://www.box.net/shared/x18ulanby6
Las pinceladas son muy expresivas, en esta obra de un retrato de Frans Hals las pinceladas son casi caóticas, como golpes de florete, pero construyen el espacio con total precisión.
Pose espontánea y expresiva de un autorretrato de la juventud de Rembrandt
Expresividad en el rostro. Bernini
Profunda mirada expresiva en esta obra de Goya
Expresión espontánea 
El dibujo a carboncillo
Materiales:
Un difumino y un martillo para ablandarlo. Una lija para qué quede más suave.
Un carboncillo (Barritas de madera quemada).
Una goma. (Mejor si es especial para carboncillo).
Un lápiz compuesto (lápiz de carboncillo).
Papel Ingres, caso o guarro, especial para carboncillo.
Un fijativo para que al terminar no pierda el polvillo.
Es un medio más corriente que el lápiz aunque mucho más tosco que sin embargo permite dar distintas calidades y a veces mejores acabados con alto contraste.
El carboncillo es un palillo carbonizado que sirve con frecuencia para los dibujos o estudios preparatorios, se utiliza también para hacer el dibujo previo en una pintura al óleo sobre lienzo. También es una técnica utilizada usualmente para hacer estudios de dibujo de profundo análisis de los valores tonales.
Está constituido por romero, brezo, avellano o sauce, quemados en cañón y apagados en ceniza fría. El carboncillo es una técnica que permite hacer una escala de tonos desde un ritmo suave hasta un negro bastante intenso que se puede incrementar utilizando el lápiz compuesto.
La barra de carboncillo aplicada lateralmente contra el papel ejecuta las sombras del dibujo - o bien tomando el polvillo que desprende al rascarlo con una silla-, para ello se puede difuminar mediante un difumino (papel enrollado sobre sí mismo con extremos en forma de cono), éste debe ser previamente preparado mediante golpes de martillo hasta que se ablande ya que lo venden con una consistencia bastante dura que lo único que hace al utilizarlo directamente sobre el papel sin preparación previa, es rascar el dibujo.
El contorno del difumino debe ser perfectamente cónico para que se pueda sombrear sobre una zona grande y de forma uniforme. El difumino debe ser suave por lo que se debe lijar su superficie hasta que el contorno sea como de pelusa.
El difumino aplicado sobre el polvo del carboncillo en sentido circular puede generar unos degradados homogéneos, esto se consigue al superponer varias capas ya que en primera capa es fácil que haya zonas más oscuras que otras.
El carboncillo, como es un palo quemado con una punta gruesa, requiere por su tosquedad y para su utilización mayores formatos que los que corresponden al lápiz -a no ser que se utilicen difuminos muy pequeños-, su trazado suele ser lateral para no rayar el papel y se puede arrastrar de canto sobre el papel hasta producir un tono homogéneo. Los trazos se puede hacer con la punta del carboncillo o aplicando la barra de carboncillo acostada sobre el papel.
El papel utilizado suele ser de la marca Ingres o Canson, el papel debe ser de buena calidad con rugosidad para atrapar las partículas de carbono y jugar así con las tonalidades. El carboncillo puede ser difuminado también con un trapo, que al pasarlo por encima, el tono del mismo se suele aclarar, por lo que si queremos darle más oscuridad habrá que darle varias capas con el carboncillo. Para sacar zonas de luz, o sea para aclararlo, utilizamos una gamuza de piel. Si queremos hacer el efecto de que hay más luz, debemos borrar la superficie con una goma especial para carboncillo, aunque también podemos fabricar una con miga de pan amasada durante largo tiempo.
Para sacar tonos muy oscuros hay que coger un lápiz compuesto, ya que el difumino siempre dispersa la materia del carboncillo generando grises más bajos en su valor tonal.
Una vez que hemos dibujado con el lápiz compuesto, que es en su forma como un lápiz grafito pero que hace trazos más oscuros, también podemos difuminar estas líneas para darle una calidad de acabado parecida a la que deja el carboncillo, pero con valores tonales mucho más oscuros.
Al difuminar los tonos realizados con el lápiz compuesto, siempre van a quedar más claros que si dejamos los trazos originales en el dibujo.
El polvillo que queda del lápiz compuesto cuando no se ha difuminado podemos fijarlo al final junto con el resto del dibujo de manera que al tocarlo o al tomar contacto con él no se pierdan los oscuros - ya que es una técnica que si no ha sido fijada, al pasar la mano por ella se pierden partes de las manchas. Para ello utilizamos un fijativo o bien laca para el pelo.
Debemos pulverizar la laca sobre el dibujo manteniéndolo a distancia de unos 30 cm - para no mojarlo- y después de haber agitado el frasco, proyectándolo siempre de forma perpendicular al dibujo.
No se debe hacer el dibujo preliminar o boceto a lápiz grafito -es el lápiz que utilizamos siempre, de punta gris-, ya que este va a quedar marcado en el dibujo posterior, para construir el boceto sobre el que vamos a dibujar debemos hacerlo con un trozo del carboncillo pequeño o cortado en bisel.
Tampoco se debe tocar el dibujo con las manos - ya que los dedos tienen algo de grasa y dejan mancha sobre el dibujo a carboncillo-, al menos si queremos hacer un dibujo como un magnífico acabado, podemos para no tocar el dibujo con las manos utilizar guantes o bien apoyar una madera sobre el dibujo en la que apoyemos las manos para dibujar con mayor precisión.
Allí donde se quiere hacer más detalle se puede utilizar el difumino para degradar los tonos, como pasa en los detalles de la anatomía del dibujo, mientras que en las zonas del fondo, en las que no interesa realzar, los trazos están menos cuidados y sin degradar aunque borrosos, para que se perciba como que está en un segundo plano conforme a la profundidad de campo, ésta es una zona nítida correspondiente al enfoque del objetivo o de nuestra visión.
Las manchas del carboncillo definen la figura y la anatomía del cuerpo. En los dibujos de carboncillo hay un estudio de la separación entre las luces y las sombras, un estudio sobre la profundidad de los distintos planos y sobre la atmósfera.
Podemos observar en el lateral derecho del dibujo como el contraste entre el fondo oscuro y la zona de luz de la espalda y del brazo genera un efecto de profundidad y apertura del espacio. Cuanto más contraste haya entre una figura y el fondo, más vamos a separar la figura del fondo, generando un efecto de espacio entre ambos elementos.
Dibujo a carboncillo con toques oscuros con lápiz compuesto.
Las luces son gominazos hechos con miga de pan amasada, elemento que suele utilizarse como goma de borrar en esta técnica.
Dibujo a carboncillo sin lápiz compuesto.
Cuanto más alejado está un elemento del observador más difuminado aparece en sus contornos, por ejemplo en la figura tenemos que su muslo izquierdo aparece más degradado que el anterior, que aparece mucho más definido en su contorno para situarlo en un primer plano.
El contorno de la espalda se ha difuminado para generar un efecto de que la superficie de la espalda continúa hacia el interior del espacio, ya que una superficie de revolución muy definida en sus contornos puede hacer un efecto de que es una forma recortada sobre el fondo, quitando el efecto volumétrico que correspondería a una forma tridimensional.
El estudio anatómico
http://dibujos-de-anatomia.blogspot.com.es/
Se ha considerado que el estudio de la figura humana es esencial en la enseñanza del dibujo y la pintura, la figura encierra muchas claves de la representación y muchos resortes para el desarrollo de un estilo personal y creativo.
Se ha considerado que el estudio de la figura humana es esencial en la enseñanza del dibujo y la pintura, la figura encierra muchas claves de la representación y muchos resortes para el desarrollo de un estilo personal y creativo.
Para estudiar el cuerpo humano es necesario conocer en profundidad la anatomía del mismo, la estructura de los módulos anatómicos genera distintas pautas en las formas, en la proporción y en la expresividad de cualquier tema. Los cánones establecen unos principios de proporción, como que la altura de una figura en pie equivale a siete veces y media la altura de su cabeza, que el pubis está en la mitad del cuerpo, que el cuerpo humano con sus brazos extendidos es igual a la altura total, etc. Hay muchas relaciones de proporción en el cuerpo humano, tanto para la figura femenina como para la masculina. El cuerpo femenino tiene menos altura respecto a la dimensión de la cabeza y una forma más redondeada y curva respecto a la forma masculina que es por lo general más rectilínea.
La figura se debe considerar mediante esquemas simples de encajado, como bloques de un maniquí articulado en el que hay que representar los volúmenes. Hay que estructurar su andamiaje lineal y su equilibrio si está en movimiento, para que no parezca que se está cayendo. Conviene trabajar el cuerpo humano mediante un proceso de síntesis de dibujo, los trazos de líneas generales y de volúmenes deben definir la figura desde el principio, dejándolos en cuestiones esenciales del movimiento, a continuación se pueden establecer los detalles que configuran la anatomía.
Es fundamental conocer también la captación del movimiento en la figura humana, representar a la persona como si fuera una imagen instantánea en un momento dado, para ello se suele indicar las líneas principales mediante contornos y sombreados generales que definan perfectamente los volúmenes.
Se debe estudiar en la pose de la figura humana la estabilidad en la figura, la distribución del peso para que la figura aparezca en equilibrio, para ello debemos marcar las líneas generales y ejecutar los volúmenes definiendo ya la anatomía desde el principio. Con unas tonalidades podemos empezar a hacer aflorar los volúmenes de la figura que se detallarán posteriormente en la fase de acabado. Es fundamental partir de un buen encajado, ya que los fallos que se cometan al principio se van a ir acumulando, una vez que hemos encajado la figura podemos empezar a trazar las líneas correspondientes a su anatomía, marcando las zonas de mayor interés.
Estudio anatómico de Leonardo da Vinci del movimiento del brazo y antebrazo, de las masas musculares al girar la muñeca hacia dentro, lo que se denomina pronación. 
Boceto de Miguel Angel con un estudio profundo en anatomía para los frescos de la Capilla Sixtina del Vaticano.
Jacques-Louis David
Desnudo de la p. wickstromstudio
-------------------------------------------------------
Modelos de anatomía de:
El canon
El hombre es la medida de todas las cosas, todos los elementos construidos están en relación a nosotros, en proporción a la función para la que fueron concebidos. Las figuras también deben estar proporcionadas en el arte cuando queremos que sigan unos principios de estética, para ello debe articularse una relación entre todas las partes. Cuando una figura está desproporcionada hay una falta de armonía entre sus partes generando un efecto antiestético.
El canon estudia las proporciones de la figura humana y fue estudiado ya en profundidad por los griegos en la escuela de Atenas. Policleto esculpió una figura con objeto de que sirviera de canon, en esta escultura del siglo quinto antes de Jesucristo se observa ya una perfecta proporción basada en la relación de la cabeza con la altura total del cuerpo, en este caso contenida siete veces y media. Más adelante, el canon sufre una transformación con Lisipo, éste alarga la figura hasta que la cabeza está contenida ocho veces en la altura total del cuerpo. Cuando cae el Imperio Romano por la invasión de los pueblos bárbaros se deja de representar la figura humana durante tres siglos, apareciendo posteriormente en el siglo VII, la figura humana tiene unas proporciones demasiado largas, por ejemplo las que aparecen en las miniaturas de los siglos VIII y del siglo XIII, así como los mosaicos bizantinos. En el Renacimiento italiano se vuelven a fijar de manera determinante las proporciones basándose en los estudios griegos y romanos.
Según el arquitecto latino Vitrubio, la más perfecta proporción armónica se encuentra entre la relación de los dos dimensiones llamada proporción áurea. En muchas composiciones artísticas de grandes maestros de la pintura se fijan unos puntos de interés para fijar nuestra atención en un determinado espacio del cuadro, creando ritmos en distintos sentidos, a veces estructurándolos desde una proporción áurea.
En este dibujo de Leonardo da Vinci, observamos un estudio de la proporción en el cuerpo humano, la figura se inscribe en un cuadrado con los brazos extendidos, por lo que tenemos que la altura del ser humano es igual a su anchura con los brazos extendidos. Observamos también que se inscribe en una circunferencia donde el centro es el ombligo.
Las marcas con rectas corresponden a subdivisiones o la proporción áurea de distintas partes del cuerpo.
Hay una división en cuatro partes que pasa por la rótula, el pubis,el pecho y el borde superior de la cabeza.Observamos además que este módulo nos sirve para tomar la distancia del borde de la mano al codo, y desde aquí hasta dónde empieza el brazo extendido forma un segmento que está en proporción áurea con el anterior.
-----------------------------------
Puede resultar difícil para nosotros el imaginar lo mucho que el canon de belleza femenino ha cambiado a lo largo de la historia, por lo que este vídeo 3 minutos obra de Buzzfeed es interesante. Pretende mostrar cómo los ideales del cuerpo femenino se han mostrado y desarrollado durante los últimos 3.000 años.
Antiguo Egipto (c. 1292-1069 B.C.)
- Moderada delgadez
- Hombros estrechos
- Cintura alta
- Cara simétrica
- Hombros estrechos
- Cintura alta
- Cara simétrica
Antigua Grecia (c. 500-300 B.C.)
– Cuerpo redondeado
– Con curvas
– Tez clara
– Las mujeres eran consideradas "desfiguradas" versiones de los hombres
– Con curvas
– Tez clara
– Las mujeres eran consideradas "desfiguradas" versiones de los hombres
Dinastía Han (c. 206 B.C.-220 A.D.)
– Cintura reducida
– Piel pálida
– Grandes ojos
– Pies pequeños
– Piel pálida
– Grandes ojos
– Pies pequeños
Renacimiento Italiano (c. 1400-1700)
– Grandes pechos
– Estómago redondeado
– Anchas caderas
– Piel clara
– Estómago redondeado
– Anchas caderas
– Piel clara
Inglaterra Victoriana (c. 1837-1901)
– Cuerpo redondeado
– Muchas curvas
– Cintura ceñida
– Las mujeres empleaban corsés para poder alcanzar el canon de belleza
– Muchas curvas
– Cintura ceñida
– Las mujeres empleaban corsés para poder alcanzar el canon de belleza
Los locos años 20 (c. 1920s)
– Pecho plano
– Cintura no marcada
– Cabello corto
– Figura de muchacho
– Cintura no marcada
– Cabello corto
– Figura de muchacho
La época dorada de Hollywood (c. 1930s – 1950s)
– Curvas
– Figura de reloj de arena
– Grandes pechos
– Cintura estrecha
– Figura de reloj de arena
– Grandes pechos
– Cintura estrecha
Los excitantes y liberados años 60 (c. 1960s)
– Esbeltez
– Delgadez
– Piernas largas y delgadas
– Constitución física de adolescente
– Delgadez
– Piernas largas y delgadas
– Constitución física de adolescente
La era de las súper-modelos (c. 1980s)
– Atlética
– Esbelta y con curvas
– Alta
– Brazos con tono muscular
– Esbelta y con curvas
– Alta
– Brazos con tono muscular
La heroína chic (c. 1990s)
– Con muy pocas curvas
– Muy delgada
– Piel clara
– Andrógina
– Muy delgada
– Piel clara
– Andrógina
Belleza postmoderna (c. 2000s-hoy)
– Vientre plano
– Saludablemente delgada
– Grandes pechos y culo prominente
– Piernas esbeltas
– La cirugía estética se emplea en numerosas ocasiones para obtener el aspecto deseado
– Saludablemente delgada
– Grandes pechos y culo prominente
– Piernas esbeltas
– La cirugía estética se emplea en numerosas ocasiones para obtener el aspecto deseado
No hay comentarios:
Publicar un comentario