viernes, 20 de septiembre de 2019

La imagen artística




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Charles Baudelaire

El artista

«Cuanto más cultiva un hombre las artes, menos lascivo y libertino se vuelve...Únicamente el bruto es bueno al copular, y la copulación es el lirismo de las masas. Copular significa entrar en otro — y el artista nunca emerge de sí mismo.»

«La voluntad de crear ha de dominar, pues el arte es largo y el tiempo es breve.» (citando a Hipócrates) «Cada hombre porta dentro de sí mismo su propia dosis de opio natural, incesantemente secretado y renovado, y, desde el nacer hasta el morir, ¿cuántas horas podemos contar que estén llenas de placer, de eficaz y próspera acción?» 

La fotografía, por Charles Baudelaire


Charles Baudelaire (1821-1867), a parte de poeta, fue crítico de arte. Sus escritos sobre arte y sus comentarios sobre algunos de los salones que se llevaban a cabo cada año en la Academia francesa, pueden leerse en una completa edición publicada por Antonio Machado Libros que lleva por título "Salones y otros escritos sobre arte". En el Salón de 1859 (publicado en julio del mismo año en la Revue Française), Baudelaire escribió un capítulo dedicado a la fotografía. La fotografía había nacido en Francia hacia 1839, gracias a la invención del daguerrotipo. Con este sistema, que consistía en la obtención de la imagen deseada sobre una superficie de plata pulida, empezó a difundirse, y a perfeccionarse, esa nueva manera de mostrar la realidad. ¿Qué representó la fotografía para las demás artes existentes, principalmente para la pintura? Baudelaire se mostró muy crítico con ella y, como muchos de sus contemporáneos, pensó que no podía ser considerada una arte, sino que debía ser su complemento. He aquí sus propias palabras:

En esos días deplorables, una industria nueva se dio a conocer y contribuyó no poco a confirmar la fe en su necedad y a arruinar lo que podía quedar de divino en el espíritu francés. Esta multitud idólatra postulaba un ideal digno de ella y apropiado a su naturaleza, eso por supuesto. En materia de pintura y de estatuaria, el Credo actual de las gentes de mundo, sobre todo en Francia (y no creo que nadie se atreva a afirmar lo contrario), es éste: "Creo en la naturaleza y no creo más que en la naturaleza (hay buenas razones para ello). Creo que el arte es y no puede ser más que la reproducción exacta de la naturaleza (una secta tímida y disidente quiere que se desechen los objetos de naturaleza repugnante, como un orinal o un esqueleto). De este modo, la industria que nos daría un resultado idéntico a la naturaleza sería el arte absoluto". Un Dios vengador ha atendido a los ruegos de esta multitud. Daguerre fue su Mesías. Y entonces se dice: "Puesto que la fotografía nos da todas las garantías deseables de exactitud (eso creen, ¡los insensatos!), el arte es la fotografía". A partir de ese momento, la sociedad inmunda se precipitó, como un solo Narciso, a contemplar su trivial imagen sobre el metal. Una locura, un fanatismo extraordinario se apoderó de todos esos nuevos adoradores del sol. Se produjeron extraños horrores. Asociando y agrupando a truhanes y truhanas, emperifollados como los matarifes y las lavanderas en el Carnaval, rogando a esos héroes que quisieran mantener, durante el tiempo necesario para la operación, su mueca de circunstancia, se deleitaban reproduciendo las escenas, trágicas o graciosas, de la historia antigua. Algún escritor demócrata ha debido encontrar el medio, barato, de difundir entre el pueblo el gusto por la historia y por la pintura, cometiendo así un doble sacrilegio e insultando a un tiempo a la divina pintura y al arte sublime del comediante. Poco tiempo después, millares de ojos ávidos se inclinaban sobre los agujeros del estereóscopo como sobre los tragaluces del infinito. El amor a la obscenidad, que es tan vivaz en el corazón natural del hombre como el amor a sí mismo, no dejó escapar tan buena ocasión de satisfacerse. Y no se diga que los niños que regresaban de la escuela eran los únicos en disfrutar de esas tonterías: suscitaron el entusiasmo de todos. He oído a una hermosa dama, una dama de la buena sociedad, no de la mía, contestar a los que le ocultaban discretamente semejantes imágenes, encargándose así de sentir el pudor en su lugar: "Dénmelo, no hay nada demasiado fuerte para mí". Juro haberlo oído, pero ¿quién me creerá? "¡Ya ven lo que son las grandes damas!" dice Alexandre Dumas. "¡Las hay más grandes todavía!", dice Cazotte.
Como la industria fotográfica era el refugio de todos los pintores fracasados, demasiado poco capacitados o demasiado perezosos para acabar sus estudios, ese universal entusiasmo no sólo ponía de manifiesto el carácter de la ceguera y de la imbecilidad, sino que también tenía el color de la venganza. Que tan estúpida conspiración, en la que se encuentran, como en todas las demás, los embaucadores y los embaucados, pueda triunfar de una manera absoluta, no puedo creerlo, o al menos no quiero creerlo; pero estoy convencido de que los progresos mal aplicados de la fotografía han contribuido mucho, como por otra parte todos los progresos puramente materiales, al empobrecimiento del genio artístico francés, ya tan escaso. Por más que la fatuidad moderna ruja, eructe todos los exabruptos de su tosca personalidad, vomite todos los sofismas indigestos de los que la ha atiborrado hasta la saciedad una filosofía reciente, cae de su peso que la industria, al irrumpir en el arte, se convierte en la más mortal enemiga, y que la confusión de funciones impide cumplir bien ninguna. La poesía y el progreso son dos ambiciosos que se odian con un odio instintivo, y, cuando coinciden en el mismo camino, uno de los dos ha de valerse del otro. Si se permite que la fotografía supla al arte en algunas de sus funciones pronto, gracias a la alianza natural que encontrará en la necedad de la multitud, lo habrá suplantado o totalmente corrompido. Es necesario, por tanto, que cumpla con su verdadero deber, que es el de ser la sirvienta de las ciencias y de las artes, pero la muy humilde sirvienta, lo mismo que la imprenta y la estenografía, que ni han creado ni suplido a la literatura. Que enriquezca rápidamente el álbum del viajero y devuelva a sus ojos la precisión que falte a su memoria, que orne la biblioteca del naturalista, exagere los animales microscópicos, consolide incluso con algunas informaciones las hipótesis del astrónomo; que sea, por último, la secretaria y la libreta de cualquiera que necesite en su profesión de una absoluta exactitud material, hasta ahí tanto mejor. Que salve del olvido las ruinas colgantes, los libros, las estampas y los manuscritos que el tiempo devora, las cosas preciosas cuya forma va a desaparecer y que piden un lugar en los archivos de nuestra memoria, se le agradecerá y aplaudirá. Pero si se le permite invadir el terreno de lo impalpable y de lo imaginario, en particular aquel que sólo vale porque el hombre le añade su alma, entonces ¡ay de nosotros!
Charles Baudelaire
Salones y otros escritos sobre arte
Antonio Machado Libros
pp. 231-233
















FAMILIAS HINCHABLES

Es muy triste que ancianas/anos solitarias/rios tengan que convivir con personas/onos hinchables no humanas/manos, como también lo es que algunos célibes/libus tengan que tener relaciones con muñecas/ecos inflables, con el peligro que comporta una descompresión en mitad del orgasmo, para ello, los chinos/nas, están creando muñecos/cas hiperrealistos/tas que pueden suplir perfectamente a las personas/onos, eludiendo traumas de parejas o conflictos familiares, así como enfermedades de transmisión sexual- ECTS.

Es muy triste que ancianos solitarios tengan que convivir con personas hinchables no humanas, como también lo es que algunos célibes tengan que tener relaciones con muñecas inflables, con el peligro que comporta una descompresión en mitad del orgasmo, para ello, los chinos, están creando muñecos hiperrealistas que pueden suplir perfectamente a las personas, eludiendo traumas de parejas o conflictos familiares, así como enfermedades de transmisión sexual.
Escuela de psicología
LA CREATIVIDAD Y SU EXPRESIÓN ARTÍSTICA
INTRODUCCIÓN
La verdad es algo que se vive en el momento y que expresa nuestra vinculación individual con el todo. No es algo relativo, pero tampoco es una idea que pueda adquirirse y ser medida con las palabras, como si fuera un punto fijo y estático. A la verdad no se llega mediante la técnica o la lógica, no podemos estar de acuerdo o en desacuerdo con la verdad. La verdad es lo que nos mantiene unidos y cada uno debe hallarla individualmente a partir de las condiciones únicas de su propia vida.
La verdad puede ser captada en cualquier lugar y momento, en lo pequeño o en lo grande. Sin embargo nuestra mente llena de convicciones, gustos, opiniones y emociones no siempre nos permite dedicarnos a observar, simplemente observar. Nuestros prejuicios, muchos de los cuales innatos, limitan nuestros grados de libertad para la creatividad.
La creatividad puede aparecer, y de hecho aparece, en cualquier momento de nuestras vidas. Si, por ejemplo, al contemplar un árbol, hacemos una abstracción de nuestro conocimiento de los árboles y vemos un árbol absolutamente nuevo, las desviaciones únicas de sus ramas, sus nudos y retorcimientos, los juegos de aire y de la luz entre sus hojas, en ese momento estamos contemplando la verdad del árbol. "La existencia está más allá del poder de las palabras para definirla. Pueden usarse términos, pero ninguno de ellos es absoluto" (Lao Tsé).
Es un hecho evidente que la Creatividad e Innovación ha llegado a ocupar la atención en foros científicos, educativos, artísticos, industriales, económicos y culturales, como elementos necesarios para el avance de las Ciencias, Tecnologías, Humanidades y Artes.

Esto ha llevado a que cada vez, más consultores, instructores, investigadores y personas, se interesen en el tema y presenten sus propuestas de consultoría, capacitación y desarrollo.
La creciente preocupación por generar propuestas innovadoras en todos los campos del quehacer humano ha llevado a una expansión de ideas, conceptualizaciones y métodos que abordan el tema.
Algunas aportes constituyen una excelente recopilación de lo que otros pensadores han generado en el campo.
Otras se centran en la difusión y defensa de la creatividad como un tema emergente en las actividades del ser humano.
Otras más, desafortunadamente las menos, se basan en investigación y generación de nuevas propuestas para la estimulación, desarrollo y sistematización del potencial creativo.
Sin duda que cada uno de estos niveles constituyen aportes valiosos a la profesionalización del campo de la creatividad e innovación.

En la actualidad, quien encara un trabajo tiene que ser creativo obligatoriamente, ya que siempre se está buscando “salir de lo usual”, desarrollar nuevos productos redituables, tanto para la empresa donde trabaja como para uno mismo.
El ser creativo no es algo propio de un conjunto selecto de personas, sino que es una capacidad que todos tenemos, la diferencia está en que, algunos individuos son naturalmente creativos y otros tienen que aprender y trabajar para poder serlo.
Como podemos ver, la creatividad es un complejo proceso interno y debido a ello nos parece imprescindible, antes de abocarnos en nuestro tema central, explicar de forma clara precisa y concisa qué es la creatividad junto con sus características principales. Una vez explicado lo anteriormente expuesto, enfocaremos la creatividad desde el punto de vista de las artes en todas sus expresiones, mencionando aspectos que consideramos importantes de destacar tanto en el aspecto emocional como psíquico del artista creador.
Se ha llegado a un punto de autoorganización del caos.
La creatividad de los árboles y vemos un árbol desaparece, el tiempo se desvanece o se llena por completo, la actividad nos absorbe completamente. Se es perfectamente consciente del momento y de lo que ocurre y no existe en la mente ni la menor preocupación por la posibilidad de equivocarse. Se ha llegado a un punto de autoorganización del caos.
En estos momentos de creatividad nuestro "yo" ya no es el que nos ha creado la sociedad, ese yo cargado de categorías, nombres, máscaras, experiencias, sino que es un yo caótico, que también es el no yo, porque está conectado con el mundo. De hecho los trastornos mentales no son una realidad caótica, como parece, sino todo lo contrario: son un yo rígido y cerrado al mundo.
“El tema no se elige. Eso es lo que ni el
público ni los críticos comprenden. El
secreto de las obras maestras está
precisamente ahí: en la concordancia
entre el tema y el temperamento del autor.”
G. Flaubert




ORÍGENES Y RAÍCES DE LA CREATIVIDAD
Frente a la gran incógnita sobre qué es la creatividad, los hombres han dado a través de la historia diversas respuestas. Los antiguos tenían una respuesta categórica: surge del otro mundo; de la esfera de lo sobrenatural, de lo divino. Es una interrupción del más allá en el acontecer humano.
Los griegos creyeron durante más de mil años en las musas: seres divinos que inspiraban a los artistas, a los sabios, a los inventores.
Platón decía “la divinidad los usa como sus ministros o servidores”.
“No es mediante el arte, sino por el entusiasmo y la inspiración que los buenos poetas épicos componen sus bellos poemas. Lo mismo sucede con los poetas líricos. Son órganos de la divinidad, que nos habla por su boca….”
La palabra entusiasmo deriva del griego en teso, que significa “estar en Dios”, “estar poseído por Dios. El psicoanálisis introduce, en vez de lo sobrenatural, las leyes del devenir psicológico; en vez de la inspiración, el inconsciente; en vez de las musas, los deseos y las represiones; en vez de las voces de arriba, las pulsiones de abajo.
Para la neurofisiología el pensamiento humano es una función natural del sistema nervioso, que relaciona al individuo con el medio, y que es capaz de asociar entre sí los más diversos objetos. La corteza cerebral del homo sapiens, como puede demostrarse en el laboratorio, ha llegado a través de los muchos siglos, a desarrollos finísimos que la elevan por sobre la de todos los demás animales. Los neurofisiólogos analizan cómo nuestro hemisferio izquierdo es verbal y lógico, sede del pensamiento convergente, nuestro hemisferio derecho, por el contrario, es visual, imaginativo y creativo y en él se asienta el pensamiento divergente.
La genética explica la creatividad con base en factores hereditarios, resultado a su vez, de combinaciones de los genes del padre y de la madre. Dicha capacidad no es otra cosa que una de tantas cualidades innatas, fruto de una feliz combinación de rasgos somáticos y psíquicos. Un hombre alto, atlético podrá fácilmente ser un gran basquetbolista; pero un hombre bajito no podrá serlo.
El Análisis Transaccional ofrece una explicación popular muy sugestiva del fenómeno de la creatividad. La estructura psíquica de cada ser humano se compone de tres elementos el Padre, el Adulto y el Niño. El primero es la voz del pasado, de las tradiciones, de las normas, preceptos, prohibiciones y convencionalismos sociales.
El segundo es el contacto “aquí y ahora” con las situaciones externas e internas. Es técnico, realista y pragmático.
El tercero es el elemento espontáneo, curioso, imaginativo, juguetón que unas personas
mantienen bastante vivo, y otras han ido sofocando, reprimiendo y atrofiando a lo largo de los años. El niño nos da la clave de la creatividad.
El estudio de las necesidades. El psicólogo Abraham Maslow formuló una escala ascendente de las necesidades humanas en cinco niveles:
  • Biológicas
  • de seguridad
  • de pertenencia o afiliación
  • de estima o status
  • e-de autorrealización
El hombre que tiene satisfechas sus necesidades básicas va subiendo de los niveles de supervivencia a los niveles de expansión y proyección de sí mismo. El último de ellos es el de la creatividad.
Explicación de corte filosófico. Para Henri Bergson el motor de todo desarrollo cultural de los individuos y de los pueblos es el élan vital, que es pulsión biológica y que es inteligencia como energía polivalente. Para Jacob Burckhardt el cimiento de la creatividad es un innato y poderoso impulso interior hacia la imagen, que fuerza al espíritu a manifestarse en formas de toda clase.
En el campo simbólico, el hombre es un ser hecho de dicho campo y junto con ello toda su vida está inundada de símbolos. Esto es una evidencia. A través de la evolución hemos adquirido la capacidad de manejar las cosas, no sólo en sí mismas, sino a través de ellos.
QUÉ ES LA CREATIVIDAD
Analicemos la palabra creatividad según las diferentes maneras como indicaremos a continuación:
Como sustantivo
Es la capacidad de crear
Como adjetivo
Es lo que da la “cualidad/calidad” de una persona, producto, ambiente o proceso
Como verbo
Es la acción que puede ser desarrollada/aprendida (habilidad, proceso, pensamiento…)
Sintetizando nuestras definiciones anteriores podemos concluir que la creatividad es la capacidad del ser humano de ampliarse y profundizarse a nivel individual y colectivo en distintos ámbitos: lenguaje, tecnología, ciencia, arte, relación y acción en el mundo.
Puede ser desarrollada por cualquier persona y a cualquier edad, no en vano Pablo Picasso diría en una ocasión:” La edad sólo importa cuando uno envejece. Ahora que he llegado a una edad avanzada, bien podría tener veinte años”. El espíritu creativo, lejos de declinar con la edad, puede en realidad ganar fuerza cuando una mujer o un hombre mayor se concentra en lo que en verdad importa.” Pero ese desarrollo ocurre de diferentes maneras generando distintos grados de evolución. El genio sería un ejemplo de grado máximo de desarrollo de esta capacidad.
La creatividad en sí misma no es ni buena ni mala, es el uso de esta capacidad que definirá su calidad moral. Mirar la creatividad desde una perspectiva ética significa considerar la propia vida como una obra de arte y la humanidad como el gran proyecto creativo de cada uno. La creatividad, va implícita en el arte de vivir en el nivel más elevado y más cercano a lo divino. Dios es concebido como “el Creador” por antonomasia.
Sólo quien tiene preguntas encuentra respuestas. Sólo quién tiene el hábito de interrogar a la naturaleza y a la sociedad aprende de la naturaleza y la sociedad. El que no cuestiona nada, no ve nada. El que no sabe nada es capaz de observar nada que valga la pena.
El poder creador presupone una actitud receptiva ante la realidad; una especie de humildad. Quién trata de imponer al cosmos sus ideas y esquemas sin antes escuchar suficientemente la voz de los hechos, se pone en el vía de forzar y violentar las cosas. Acabará dándose de topes contra un muro.
La regularidad en el trabajo, el trabajo metódico, la tenacidad, la práctica, condicionan
para sobrellevar las inevitables etapas de aridez. Muchas veces el creador se parece al alpinista que suda y jadea una y otra vez antes de disfrutar los aires frescos de la cima.
Fundamento fisiológico de la creatividad.
Existe muy poca información accesible sobre la creatividad desde el punto de vista fisiológico, sin embargo, al parecer está ubicada en el hemisferio derecho. La explicación supone que una de las posibles bases fisiológicas de la creatividad es el "desarrollo de niveles jerárquicos de inclusión, asociados con la actividad de circuitos de convergencia". Además, se postula que la creatividad, en alguna medida, se relaciona con la comunicación entre los dos hemisferios (Grinberg,1976).
Elementos del proceso creativo:
  • Persona creadora
  • Proceso creativo
  • Objeto creado.
Hay consenso en que creatividad y creación se relacionan entre sí como la capacidad y el producto.
Aspectos esenciales de la creatividad:
  • La producción de algo nuevo
  • Que este algo sea valioso.
Ambos criterios se prestan a infinidad de puntos de vista: ¿Qué es lo nuevo? ¿Qué es lo valioso? ¿Quién es el juez que fija los criterios?.
Se puede oscilar desde una acepción muy estricta que dé cabida dentro de la creatividad sólo a obras de gran fama y renombre, hasta un sentido muy elástico de los conceptos de novedad y de valor, que abrace realizaciones modestas y poco trascendentes.
Niveles de creatividad:
  • Creación modesta: cuando tiene valor sólo para el individuo, y tal vez para su pequeño círculo de familiares y amigos.
  • Creación trascendente al medio: cuando es valorizada también en ambientes profesionales próximos al individuo o al grupo creativo.
  • Creación trascendente a la humanidad: cuando permanece válida a través de los países y de las épocas históricas: rebasa el espacio y el tiempo del creador.
Por lo tanto creatividad sería la capacidad de dar origen a cosas nuevas y valiosas; y la capacidad de encontrar nuevos y mejores modos de hacer las cosas.
Combinación de cualidades:
  • Poder de la fantasía que trascienda la realidad;
  • Capacidad de descubrir relaciones entre las cosas;
  • Sensibilidad y fuerza en la percepción;
  • Cierto grado de inquietud y anticonformismo;
  • Capacidad de visualizar situaciones inéditas;
  • Facilidad para imaginar hipótesis;
  • Audacia para emprender nuevos caminos.
Características de la persona creativa:
  • Espontáneo
  • Autocrítico
  • Planificador
  • Prudente (en su retiro).
Tipos de creatividad:
  • Creatividad Eureka: en donde surgen ideas fulminantes o descubrimientos de conceptos originales que suponen un gran salto hacia delante. Es poco frecuente este tipo de creatividad porque hace falta tener un increíble e innato espíritu creativo para inventar por ejemplo la máquina de vapor o la energía nuclear.
  • Creatividad secundaria: es un tipo de creatividad que se fija en algo y lo mejora. La mayoría de los cambios son el resultado de muchos pequeños pasos innovadores. Esta clase de creatividad imperante. Un ejemplo es la mejora de un proceso productivo resultado de la sugerencia de los operarios de una planta o crear un vaso deshechable con forma de cono para evitar que lo dejen en cualquier lugar diferente al diseñado para colocarlos.
Maslow fue el primero en describir algunos aspectos de las vivencias creadoras para la evolución de la personalidad. Distingue entre la creatividad primaria, como sería una improvisación jazzística o un dibujo infantil y la creatividad secundaria. Estas se distinguen porque una vez que concluye la regresión voluntaria hacia las profundidades, la pasividad y la apertura al mundo de la inspiración propia de las experiencias cumbre debe ceder el paso a la actividad, al control y al trabajo riguroso.
Al respecto es oportuna la afirmación de Alexander Graham Bell que escribió sobre su proceso inventivo: “Me sorprendió que los huesos del oído humano fuesen tan fuertes en comparación con las delicadas y delgadas membranas sobre las que actúan, y se me ocurrió la idea de que si una membrana tan delicada podía mover unos huesos relativamente tan fuertes, porqué no una pieza más gruesa y sólida iba a mover mi pieza de acero…y de ese modo se ideó el teléfono”.
Ejemplos de la creatividad secundaria son los productos que desarrollan y concretan ideas formuladas por otras personas, como pueden ser puentes, casas, automóviles, experiencias científicas, etc.
Si hacemos una revisión de nuestras “experiencias culminantes” se puede manifestar que son, como la felicidad, momentos transitorios de auto-actualización. Durante esos momentos culminantes estamos más enteros, más integrados y más conscientes de nosotros mismos y del mundo, se siente un desasosiego tal vez producido por esta mezcla de sentimientos.
Hay creadores que han logrado concentrar sus propósitos a través de procesos que les han implicado mucho esfuerzo y perseverancia. Un ejemplo de ello es William Shockley, que obtuvo el premio Nóbel por la invención del transistor.
Fases que componen el proceso creativo:
Preparación: percepción de un problema y reunión de informaciones. Inmersión (consciente o no) en un conjunto de cuestiones problemáticas que son interesantes y suscitan la creatividad. Es un momento estimulante porque es cuando uno reconoce una inquietud que le mueve, instiga y empieza a investigar buscando posibilidades y alternativas. Mucha gente piensa que ese momento caracteriza la creatividad en sí misma y no logra transformar la problematización y la recogida de información en algo
nuevo. O sencillamente se contenta con “copiar” lo que fue investigado suponiendo haber llegado al resultado final.
Incubación: tiempo de espera, de busca inconsciente de la solución. Se realizan conexiones inusitadas: las ideas se agitan por debajo del umbral de la conciencia. Es un período en el que pueden surgir angustias y la sensación de que no se conseguirá lo que se ha propuesto. Generalmente, en ese momento surgen ansiedades, miedo a quedarse en blanco, al vacío y a la incapacidad de encontrar las “respuestas creativas” deseadas. Pero una persona creativa acostumbrada a pasar por esos procesos, sabe que es necesario un tiempo interior para que los distintos elementos puedan “amalgamarse”. Es como si fuese una fase de “cocción cuya duración no siempre podrá ser controlada por la persona que crea. Mucha gente abandona sus procesos creativos en este momento por no soportar esa “espera en la oscuridad”. Nunca se sabe cuanto tiempo durará una incubación, pueden ser horas o años..
Iluminación: la solución irrumpe de golpe. Es cuando llega la luz a la oscuridad del proceso de incubación y las partes antes dispersas se unen presentando un todo ordenado. Ese es el momento más agradecido del proceso creativo, porque es cuando uno ve todo claro y conectado. Es un tipo de éxtasis placentero que da energía a todo y justifica todo el esfuerzo anterior. Seria maravilloso poder decir que aquí se acaba el proceso creativo. Como si fuera un cuento de hadas, como un “feliz par siempre” eternizado en el placer de la iluminación. Pero, no …no es así . el proceso creativo sigue su ritmo y así se entra en la próxima fase.
Verificación: examen de la solución encontrada. Es el momento de evaluar si merece la pena dedicar a tensión a lo que se ha intuido. Muchas personas piensan que lo mejor es no entregarse a la primera ocurrencia tras la situación en suspenso propia del momento de incubación emocionalmente es uno de los momentos más difíciles porque engendra incertidumbre e inseguridad frente a las decisiones necesarias. Y en general conlleva como consecuencia o bien abandonar todo el trabajo, o reemplazarlo o comunicarlo y ningunas de esas opciones son fáciles de asumir.
Esta fase si tiene como resultado la aprobación de lo que fue encontrado, conlleva dos momentos más que son:
Elaboración: es la parte más dura, más difícil, la que exige más tiempo. Es todo el arduo trabajo de transformar una idea o intuición en una “cosa en el mundo”, un producto. Según Edson, tratándose de una relación entre el proceso creativo y el producto, es bueno pensar en 1% de inspiración y un 99% de transpiración, esto es de sudor provocado por el trabajo duro de dar forma a la idea.
Comunicación: durante el proceso creativo la persona extrae algo de sí misma y se lo comunica a otras personas. Para muchos, comunicar es el mejor momento del proceso creativo. Y para muchos otros, es lo más difícil porque implica convivir con la crítica y
el enunciado de juicios de quienes han recibido la comunicación. O sea la manera de vivir ese momento es un poco ambigua y puede generar sentimientos diferenciados.
Ya hemos definido y explicado de la manera que consideramos más práctica y fácil de entender lo que es la creatividad en general y sus procesos, ahora nos centraremos en una de las tantas expresiones que tiene el campo de la creatividad: la creatividad en el ámbito artístico.
CREATIVIDAD ARTÍSTICA
Proceso de creación de Georgia O'keefee:
La pintora Georgia O'keeffe (1887-1986), dice acerca del proceso de creación: “Yo tengo cosas en la cabeza que nada tienen que ver con lo que me han enseñado, formas e ideas que me son tan familiares, que responden tanto a mi forma de vivir y de pensar, que no se me ha ocurrido plasmarlas. Me decidí a empezar de nuevo, a olvidar lo que me habían enseñado y a aceptar como cierta mi propia visión de las cosas. Estaba sola, totalmente libre, solo trabajaba para mi misma, era todavía desconocida y no necesitaba agradar a nadie, solo a mi misma.”
“Creo que una forma verdaderamente viva resulta necesariamente del esfuerzo de un solo individuo por representar lo vivo en un arriesgado viaje del espíritu a lo desconocido en el que ha vivido y sentido algo que no ha entendido, y de esta experiencia surge el deseo de dar a conocer lo desconocido…..de explicar algo, lo que se siente, pero no se puede comprender totalmente……Creo que esto, en cierto modo, está claro para cualquiera en el momento de nacer, pero que es destruido en la mayoría de las personas.”
En 1946 el Museum of Modern Art de Nueva York dedica una retrospectiva de O´Keefe y honra así, por primera vez, la obra de una mujer artista.
En 1869, Galton ya estaba investigando en dirección hacia la creatividad, centrándose en los genios. La mayoría de las investigaciones que aparecen publicadas en la actualidad se centran en la persona creativa. Se tiene la creencia de que, comprendiendo el funcionamiento de su mente, se podrá encontrar la llave de la creatividad. Pero esto no es fácil. Para Mihaly Csikszantmihaly, lo que caracteriza a una persona creativa es su complejidad. Vale decir una personalidad creativa no puede ser fácilmente etiquetada y comprendida linealmente, porque es compleja y se manifiesta de diversas maneras. El autor cita algunas dimensiones de la complejidad demostrándolas en sus manifestaciones, por lo tanto para él una persona creativa presenta:
  • Gran cantidad de energía física, pero también necesidad del silencio y reposo.
  • Dominio experto en muchas situaciones e ingenuidad en otras.
  • Responsabilidad (disciplina) e irresponsabilidad (juego).
  • Imaginación y fantasía muy desarrolladas, pero también un agudo sentido de la realidad.
  • Extroversión e introversión.
  • Humildad y orgullo.
  • Androginia psicológica, con manifestaciones masculinas y femeninas: agresión y
protección, sensibilidad y rigidez, dominación y sumisión.
  • Gran pasión por el trabajo y mucha objetividad respecto de el.
  • Apertura y sensibilidad ante el mundo, lo que proporciona al mismo tiempo mucho placer y mucho dolor.
Lipman por su parte en la página 139 del libro “Pensamiento Complejo y Educación” afirma:
“Lo que hemos podido ver en relación al juicio estético nos puede ayudar para entender el pensamiento creativo, pues para éste cada juicio creativo es una versión abreviada de dicho pensamiento. Lo mismo sucede para el pensamiento creativo en general: es la conciencia del compromiso, es la conciencia de la valoración de la cualidad omnipresente en la situación creativa como un todo por parte del artista la que sitúa la posibilidad de una ejecución creativa. Un ejemplo lo tenemos en el caso de los fotógrafos dichos artistas han de estar profundamente inmersos y completamente implicados en las situaciones en las que ellos se hallen en el momento de apretar el disparador”.
Picasso diría una vez: “Siempre me oriento más a la dimensión emocional y prefiero actividades imaginativas e intuitivas. Mis elementos son la imaginación , intuición y sentimientos. Vivo más de fantasías que de realidades. Tiendo a la imaginación visual y/o de situaciones y/o de efectos sonoros. Percibo en el ambiente las sensaciones, la belleza, las emociones y siento la necesidad de mostrarlo a través de la expresión artística. Siento incomodidad de desenvolverme en tareas previamente estructuradas. Mi vinculación con el medio social lo realizo a través de este tipo de comunicación, más que del contacto directo con las personas. Soy algo introvertido por lo que busco la aprobación social a través de la comunicación artística y así neutralizar mi desvinculación con los demás.”
Se conservan, por ejemplo, ocho cuadernos pertenecientes a Picasso con bocetos preliminares de Las señoritas de Avignon, el cuadro que marca un hito en el surgimiento del cubismo. Estos bocetos muestran la tensión que puede darse en un proceso en el cual el creador se debate entre muchas alternativas sin saber en ese instante la decisión que desea tomar.
El poeta T. S. Elliot sufría períodos límites de ambigüedad para escoger la expresión adecuada. En una de sus obras ensayó frases como “linterna apagada”, “al ocaso·, “la primera luz débil”, “después del fin de la linterna”,”linterna retirada”, “tiempo de linterna”,”el crepúsculo”, “la hora temprana”y oscuridad antes del día”, previo a decidirse por “ocaso menguante”.
Sigmund Freud escribe a un amigo para contarle el destino de La Interpretación de los Sueños. “Ni una hoja se ha movido para indicar que significaba algo para alguien. La recepción del libro y el silencio subsiguiente han destruido una vez más cualquier relación con mi entorno.” La que luego sería la más importante obra del psicoanálisis, sólo vendió inicialmente trescientas cincuenta copias y fue retirada del catálogo.
Franz Kafka tuvo un infancia muy dura, tanto que escribió a su padre una conmovedora carta:”jamás hablé contigo con franqueza. Yo era un niño atemorizado”. Esto, sin ser deseable no le impidió ocupar un lugar destacado en la historia de la literatura.
Gabriel García Márquez afirma que los hombres no nacen sólo el día que salen del vientre materno, deben parirse tantas veces como la vida lo requiera. Pero no debe verse este aspecto como un hecho lamentable. Los obstáculos tienen dos caras: por un lado son impedimentos y por el reverso son oportunidades.
Giordano Bruno decía que sus “lecciones se alimentaban sobre todo de una oposición cerrada a la escolástica oficial”.
Las personas a quienes les gusta apasionadamente lo que hacen no se rinden con facilidad. Cuando llega la frustración persisten. Cuando los demás se muestran resistentes a su innovación, ellas siguen delante de todos modos. Como dijo Thomas Edison:” el genio es perseverancia.”
Un ejemplo de ello imposible de obviar es el de Hellen Keller quien sorda y ciega, vivía aislada del mundo y del contacto humano hasta que apareció Anne Sullivan. La creatividad de Sullivan residía en su pasión y su negativa a darse por vencida. Estaba dispuesta a obstinarse en su determinación de llegar a Hellen.
Años más tarde, Hellen Keller evocó ese primer momento en que la persistencia, el amor y la pasión dieron frutos: “ Mi maestra, Anne Sullivan, trabajó conmigo casi un mes para enseñarme los nombres de una cantidad de objetos. Me los ponía en la mano, deletreaba los nombres con sus dedos y me ayudaba a formar palabras.
Pero yo no tenía la menor idea de lo que ella estaba haciendo. No sé qué pensaba. Sólo tengo un recuerdo táctil de mis dedos haciendo movimientos y cambiando de una posición a otra. “un día me dio una taza y deletreó la palabra. Después puso un líquido dentro de la taza y deletreó: A-G-U-A.
“Dice que mi expresión fue de perplejidad. Yo confundía las dos palabras y deletreaba “taza” por “agua.
“Al fin me enfadé, porque la señorita Sullivan seguía repitiendo las palabras una y otra vez. Desesperada, me llevó a donde estaba la bomba de agua cubierta de hiedra y me hizo sostener la taza bajo el grifo mientras ella bombeaba.
“En la otra mano me deletreó A-G-U-A enfáticamente. Yo me quedé inmóvil, todo mi cuerpo y mi atención fijos en los movimientos de sus dedos. Mientras el agua fría corría por la mano, experimenté de repente una extraña agitación en mi interior, una conciencia brumosa, una sensación de algo recordado. Fue como si hubiera vuelto a la vida después de estar muerta.”
Hill Fitzpatrick redescubrió su creatividad en el final de su vida. El es la prueba de que aquellos con que nacemos está siempre ahí: que uno puede verlo y luego verlo de nuevo. El comenzó a pintar después de jubilarse, la pintura era algo que le había gustado mucho es su juventud. Ahora, pasados los ochenta años, Fitzpatrick ha ganado numerosos premios por sus acuarelas.
Eric Erikson, el psicólogo que definió las etapas del crecimiento personal a lo largo de la vida, describió el triunfo de la última etapa de la existencia como “una inmensa generatividad”, una profunda preocupación por la generación más joven y las que aún no han nacido. La inmensa generatividad es un enfoque sabio y creativo de enriquecer a los demás, una afirmación de la vida ante la inevitabilidad de la muerte.
Por muy heroicos que sean nuestros esfuerzos, el momento creativo no puede forzarse; llega naturalmente cuando las circunstancias son adecuadas.
Dean Simonton, psicólogo de la universidad de California señala que cuando las energías creativas no aparecen en un problema o proyecto, es útil contar con otro del cual sea posible ocuparse, él cuenta:
“La mayoría de los grandes creadores de la historia no ponían las manos en una sola cuestión; tenían montones de cosas diferentes en marcha. Si se topaban con obstáculos en una, la dejaban de lado un tiempo y pasaban a otra cosa. Al tener múltiples proyectos, es más probable que alcances un hallazgo importante en alguna parte, porque estás siempre avanzando.
Leonardo Da Vinci se sumergía en la arquitectura, la pintura, el planeamiento urbano, la ciencia y la ingeniería.
Darwin mientras realizaba a bordo del Beagle los estudios que fundarían la teoría de la evolución, también tomaba voluminosas notas sobre zoología, geología e incluso catalogaba expresiones faciales de seres humanos y animales.
Joan Miró, a lo largo de noventa años, produjo cerca de dos mil pinturas al óleo, quinientas esculturas, cuatrocientos objetos de cerámica y cinco mil dibujos y collages, además de unas tres mil quinientas imágenes plasmadas en litografía, aguafuertes y otros soportes.
B.F.Skinner tenía una rutina de trabajo que lo mantenía en pie desde la madrugada, escribiendo tres horas diarias incluyendo sábados y domingos, junto con toda su
actividad académica habitual. Luego de jubilar en 1974 todavía escribió cuatro libros y dictó conferencias, la ultima ocho días antes de morir.
Ivan Pavlov escribió en su carta a la juventud: “La ciencia exige del hombre toda la vida y si ustedes tuvieran dos vidas no les sería suficiente. La ciencia es una gran tensión y una pasión inmensa.
El flujo: el momento blanco
Cuando la creatividad está en su máxima expresión todo sale bien, las habilidades se adecuan de manera perfecta al desafío y éste parece fundirse a su creador, todo es armonía y unificación.
Los psicólogos llaman a este momento “el fluir”. Este estado fue estudiado por Mihal Csikszentmilhayi, psicólogo de la universidad de Chicago. En el estado del fluir, las personas se hallan en su punto más alto. Puede darse en cualquier ámbito de actividad: mientras se pinta, se juega el ajedrez, se hace el amor, en cualquier momento. El único requisito es que las habilidades se adecuen tan perfectamente a las exigencias del momento que desaparezca toda inhibición.
El profesor Kenneth Kraft, erudito budista que ha pasado muchos años en Japón dice: “En el Zen emplean la palabra “mente” de una manera muy interesante, ya que esa palabra es también símbolo de la conciencia del universo. De hecho, la mente del individuo y la mente del universo se consideran en última instancia como una sola. De modo que vaciándose uno mismo de la mente individual, más pequeñas, y perdiendo la intensa inhibición del individuo, podemos recurrir a esta mente universal más grande, más creativa.”
La idea de fundirse con la actividad que se esta realizando es intrínseca al Zen. “En el Zen se enseña que uno debe realizar una acción en forma tan completa que se pierda a sí mismo al hacerlo.”
En un sentido profundo, todos nuestros actos creativos expresan nuestra conciencia: quiénes somos en ese momento.
Lamentablemente el creador artístico no siempre disfruta de un equilibrio mental sano y equilibrado muchas veces el torrente de emoción e imaginación que estampan en sus obras provienen de profundos desequilibrios psíquicos y luchas internas que los acompañan durante sus vidas apareciendo, abruptamente como fantasmas albergados en la oscuridad como veremos a continuación…
“Durante el período en que estuvo internado en Saint-Rémy, que duró un año exactamente Van Gogh pintó ciento cincuenta telas y realizó un centenar de dibujos…este período no es por otra parte solamente productivo de modo particular, es también el mejor desde el punto de vista estilístico. El color , siempre vivo e intensamente contrastado, conjunta las líneas atormentadas, ondulantes o circulares, imprimiendo a los paisajes, a los olivares, al sol y a las estrellas, un dinamismo y un ritmo impresionantes. Una profunda e irresistible emoción se desprende de cada detalle, y también el temor de dejar que esta sensación se escape. Las series de cipreses y olivos son los más representativos a este respecto: la tensión por la enfermedad se conjuga con la desesperación de sentir alejarse de la vida”
Grijalbo Mondadori
TEMPERAMENTO ARTÍSTICO
Los creadores de tendencia artística suelen tener rasgos de carácter en común que los identifica de los demás grupos de personas que no presentan la misma tendencia. Estos rasgos son:
-Ánimo fluctuante: tienden a experimentar un mayor rango de emoción que las demás personas. Son emocionalmente muy reactivos.
-Inclinaciones artísticas: “hay una marcada tendencia a enfocar su vida al arte, música, literatura, etc” (Keirsey). Tienden a darle un acercamiento artístico a todos los aspectos de sus vidas.
Trabajo independiente: “tal como la mayoría de los poetas, novelistas, compositores, pintores y escultores pasan la mayor parte del tiempo en soledad.” (Store, ix).
Relaciones secundarias: tienen una marcada tendencia a tomar las relaciones primarias( familia) en segundo plano, dando preferencia a aquellas relaciones en las cuales pueden cultivar o conseguir aspectos que estén directamente relacionados con su afición por el arte.
Alto nivel de productividad: suelen tener una disciplina estricta, con alto poder de concentración y capacidad de producir grandes cantidades del trabajo de más alta calidad. Disfrutan de los períodos de recreación e inactividad.
Desinhibición: su temperamento está fuertemente marcado por el hedonismo e impulsividad, viviendo vidas epicúreas en el aquí y el ahora, con el mayor garbo posible
Percepción aguda: “se apasionan con el color, las líneas, texturas, color y forma, con las diferentes armonías, visión y movimiento. Presentan una alta sensibilidad frente a lo que los rodea” (Keirsey)
Amabilidad: a pesar que pueden adoptar una actitud agresiva y ser bruscos exteriormente, en realidad suelen ser muy amables, generosos y atentos.
Extroversión e introversión: la conducta interpersonal de los artistas, fluctúan entre los extremos de una gran sociabilidad y un aislamiento absoluto.
Amor por la naturaleza: tienen fuerte conexión con la naturaleza, con lo bucólico. Sus lugares de residencia suelen estar en lugares silvestres en donde “el paisaje pareciera darles la bienvenida” (Keirsey)
En algunos casos el proceso creativo artístico está directamente relacionado con distintas formas de manías hipertímicas que facilitan una concentración y dedicación exacerbadas. Es por ello que en medio de estos notables artistas muchas veces se encuentran desórdenes bipolares , especialmente desórdenes ciclotímicos.
Las psicosis, incluyendo la bipolaridad, es generalmente incompatible con la creatividad. Esa conclusión , basada en estudios sistemáticos recientes, tienden a refutar la tendencia romántica de idolatrar la demencia como fuente central de los procesos creativos. Si el talento es un ingrediente imprescindible de la creatividad, ¿cómo contribuye la bipolaridad en este proceso?. La hipótesis más simple es que los episodios de depresión podrían estimular la perspicacia propia de la condición humana, la cual, necesitaría activación asociada con la hipomanía que en teoría produciría el trabajo artístico. Una interpretación más profunda sugeriría que la autodesconfianza que aparece recurrentemente durante el período de depresión podría ser un importante ingrediente en el proceso creativo, debido a que artistas originales o expresiones científicas son a menudo inicialmente retractadas y la autoconfidencia que acompaña repetidos episodios de hipomanía podrían ayudar a repetir tales ideas de expresiones hasta que ellas sean perfectas.
Finalmente, el objeto de las relaciones tempestuosas asociadas con la bipolaridad a menudo crean situaciones únicas en la vida que pueden ser inmortalizadas como un artista. Un ejemplo claro de ello fue Wolf Amadeus Mozart quien sufrió de profundos estados depresivos durante el verano, escribiendo en esa estación del año “negros pensamientos”. La personalidad artística de Mozart ha sido sugerida como personalidad ciclotímica unida a tendencias maníaco-depresivas. Lo cual nos explica no solo sus habituales depresiones sino también sus hábitos, incluyendo su particular forma confusa y febril de crear.
CUATRO HERRAMIENTAS PARA DESARROLLAR LA CREATIVIDAD
Estas cuatro poderosas herramientas son:
  • Fe en tu creatividad.
  • Ausencia de crítica.
  • Observación precisa.
  • Preguntas agudas.
Tener fe es “saber” que hay en tu interior un poder que siempre está disponible para ti.
La ausencia de crítica es aprender a silenciar esa voz interior autocrítica que censura tus ideas antes de que den frutos.
La observación precisa, esto significa mirar y abarcar todo lo que te rodea con una conciencia renovada.
Preguntas agudas, son las ganas de hacer preguntas que van al fondo de la cuestión. Algunas de las preguntas más incisivas son aquellas que suelen llamarse “ preguntas tontas”.
El entorno más estimulante para la creatividad no es un terreno plano y despejado. Sin dificultades y sin obstáculos no sería necesario ningún proyecto creativo. La imagen mostrando a las personas creativas emergiendo de condiciones de vida favorables y hogares idílicos, es incompleta. Numerosos testimonios e investigaciones muestran que la creatividad también puede liberarse en ambientes fuertemente restrictivos. Incluso investigaciones que han estudiado personas bien dotadas, provenientes de familias cálidas y apoyadoras, indican que desde su infancia tuvieron numerosas oportunidades para enfrentar desafíos y tomar decisiones significativas.
Lo cierto es que las búsquedas creativas enfrentan a las personas necesariamente con incertidumbres, riesgos y frecuentes equivocaciones. Para las incertidumbres y riesgos sólo existe el remedio de tolerarlos y para las equivocaciones y errores lo razonable es convertirlos en experiencia. Tanto el manejo de la incertidumbre como la aceptación del error y el riesgo son también actitudes relevantes de la persona creativa. Junto a la ambigüedad propia de estos procesos también es frecuente la experiencia de la frustración. Muchos intentos resultan fallidos y los obstáculos al final son más numerosos y poderosos de lo esperado. La capacidad para soportar y superar estas situaciones es lo que se llama “tolerancia a la frustración” condimento del cual un artista no puede prescindir.
LA SENSIBILIDAD CREATIVA VERBALIZADA
“Me preguntaron porqué hacía columnas inclinadas a lo que contesté: Por la misma razón que el caminante cansado, al parar, se apuntala con el bastón inclinado, ya que si lo pusiera vertical no descansará.”
Gaudí
“El único camino fértil es el de la repetición. Beethoven recuperaba temas de diez años antes, Bach trabajaba de la misma forma y Verdaguer repetía, copiaba y corregía sus poesías continuamente.”
Gaudí
“La originalidad consiste en retornar al origen, de forma que es original aquel que con sus medios vuelve a la simplicidad de las primeras soluciones.
Gaudí
“Ustedes han estudiado y se sorprenden de no entender lo que hago y es que yo, que también he estudiado, todavía estudio y trabajo sin parar. No creo por lo tanto en la improvisación: los impromtus musicales son mentira; nada se improvisa y no confió en que la inspiración pudiera reducir mi labor, ya que ésta no tiene que ser concedida como un añadido.”
Gaudí
La explosión de conocimientos no implica necesariamente una explosión de la creatividad.
G.J.Seidel
La originalidad de un hombre brilla, no en las cosas que hace, sino en el modo en que las hace.
A.Van Kaam
Nada puede surgir sin soledad, Yo me he creado una soledad que nadie es capaz de imaginar. Hoy día es muy difícil aislarse, porque estamos rodeados de relojes ¿han visto alguna vez a un santo con reloj? Yo no he podido encontrar ninguno, ni siquiera entre los santos patronos de los relojeros”
Picasso
“Puedo vivir sin el buen Señor, pero no puedo dejar, sin torturarme, dejar algo de lado más grande que yo, que es mi vida, la capacidad de crear”
Van Gogh
“Hay algo más importante que la lógica: la imaginación”
Alfred Hitchkock
CONCLUSIÓN
En el mundo actual en el que estamos viviendo que se caracteriza por constantes cambios, tan vertiginosos, tan impredecibles, la creatividad se ha convertido en tema de estudio de psicólogos, pedagogos y administradores. Nuestros problemas son cada día más diversos y su complejidad aumenta sistemáticamente. El nivel de competencia exige un pensamiento distinto que sobresalga del común denominador. Hoy la creatividad representa un tópico de fundamental interés para todo el mundo. A partir de su estudio ha quedado desacralizada, desmitificada y se ha democratizado. Ahora sabemos que la creatividad no se debe a una inspiración divina. Hoy se va imponiendo en significado de creatividad más accesible para todos y sobre todo, una virtud susceptible de ser desarrollada.
El reino de la creatividad es amplio y polifacético, se abre para todos la esperanza de expresarse y de resolver problemas a través de pequeñas y grandes creaciones de todo tipo. Debemos valorar no sólo las grandes creaciones trascendentes y excepcionales, sino también las actividades cotidianas modestas tan necesarias para la vida laboral, social e individual, porque vivir es un arte, el arte más complejo y más apasionante y el único necesario para todos los seres humanos, ya que la originalidad de un hombre brilla no en las cosas que hace, sino en el modo en que las hace.
“Muchas personas a pesar de poseer una vista excelente, son ciegos en sus percepciones. Otras aunque dispongan de unos oídos perfectos son del toda sordas para el sentimentalismo. Sin embargo, son las únicas que se atreven a marcar límites a la visión de los que, careciendo de uno o dos sentidos, poseen voluntad, alma, pasiones e imaginación”
Helen Keller
BIBLIOGRAFÍA
El Espíritu Creativo
Daniel Goleman- Paul Kaufman y Michael Ray
Ediciones B. Argentina S. A 2000
Psicología de la Creatividad
Mauro Rodríguez Estrada
Editorial Pax- México 1995
Psicología de la Creatividad
Manuela Romo
Editorial Paidós Ibérica S .A 1997
La Creatividad
Ricardo López
Editorial Universitaria 1999
La vida y la obra Van Gogh
Franco Vedovello
Editorial Grijalbo Mondadori
www.ctv.es/users/ags/gaudi.html
Picasso
“La pintura es libertad! Cuando uno salta, también se puede caer en el lado falso de la cuerda. Pero si uno no quiere arriesgarse a caer de bruces, ¿Qué se puede hacer entonces? En ese caso lo mejor es no saltar.”
Picasso
Puedo vivir sin el buen Señor, pero no puedo, sin torturarme, dejar de lado algo más grande que yo, que es mi vida, la capacidad de crear”
Van Gogh
“El artista es como un receptáculo de sentimientos y sensaciones que vienen de todas partes del cielo, de la tierra, de un pedazo de papel, de una figura transeúnte o de una telaraña. Por eso no podemos hacer ninguna diferencia de clases. Tenemos que escoger lo que es bueno para nuestro trabajo, pero el trabajo en sí, no lo podemos escoger porque ya nos viene dado. M e horroriza copiarme a mi mismo. Sin embargo, si me enseñan una carpeta con mis dibujos antiguos, no dudo en tomar de ellos todo lo que puedo utilizar.”
Picasso
"No hay un momento en el que pueda decir: he trabajado mucho y mañana es domingo. Tan pronto como terminas, vuelves a empezar. Puedes dejar a un lado la tela diciendo que ya no la tocas más. Pero nunca puedes poner la palabra fin"
“Cuando me levanto cada mañana, la mayor de las alegrías es mía: ser Salvador Dalí”


Salvador Dalí





 Jeremy Mann






 Borremans



 Felipe Santamans


Sargent






Rembrandt


 Borremans
 Ramón Casas



Van Gogh



 Delacroix


Rembrandt




David



Malcolm Liepke

Sean Cheetham






























































































































Ivana Besevic




El arte: disciplinas artísticas y creatividad

http://mulleresourensas.blogspot.com.es/search/label/Artista




DEJAN UNAS GAFAS EN EL SUELO DE UN MUSEO Y MUCHOS VISITANTES PIENSAN QUE ES ARTE

http://culturainquieta.com/es/lifestyle/item/9762-dejan-unas-gafas-en-el-suelo-de-un-museo-y-muchos-visitantes-piensan-que-es-arte.html
A unos jóvenes de San Francisco seles ocurrió la travesura de dejar unas gafas en el suelo de un museo de Arte. Sin saber lo que realmente era, muchos visitantes, entretenidos, pensaron que era una obra de arte y se detuvieron para admirar la pieza de arte e incluso fotografiarla.
Los bromistas (conocidos en Twitter como @TJCruda y @k_vinnn) decidieron gastar la broma tras quedar poco impresionados con la exposición del Museo de Arte Moderno de San Francisco. Y pocos minutos tras dejar las gafas en el suelo, una multitud de curiosos se había reunido para cuestionar el significado metafísico de esta obra de “arte” moderno.
Uno de los adolescentes, T.J. Khayatan de 17 años, documentó la respuesta del público y luego subió a Twitter las fotos del simpático experimento.
Las gafas quizá no, pero es innegable que ellos tienen mucho arte para gastar bromas..













































Chema Madoz:




Marcel Mariën.




Joan Brossa:







El Bosco:


https://tuinderlusten-jheronimusbosch.ntr.nl/en
http://culturainquieta.com/es/arte/pintura/item/8961-el-jardin-de-la-delicias-de-el-bosco-en-una-extraordinaria-exposicion-interactiva-en-alta-definicion.html



Esculturas creativas



Rusiñol







¿El talento se hereda?


Varias sagas de deportistas, actores o músicos podrían evidenciar que así es, pero ¿pesa más la genética o la admiración?

A lo largo de la historia se ha observado como algunas habilidades y talentos parecían correr por las venas de diversas familias. Hoy en día solo hay que echar un vistazo a nuestro alrededor para comprobar la existencia de estirpes con talentos compartidos: los Flores, los Bosé, los Douglas o los Punset, son claros ejemplos de que hay habilidades innatas. Pero, ¿hasta qué punto el talento es heredado? ¿Cuánto hay de predisposición psicológica?
Javier García Planells, director científico del Instituto de Medicina Genómica (IMEGEN) explica que “muchas características físicas o psíquicas de un individuo se heredan a través de los genes” pero que aunque estas características van a marcar en gran medida sus habilidades, “son necesarios más componentes en la ecuación, como la interacción con otros genes o el ambiente”.
“Hoy por hoy —continúa García Planells— podemos decir que no conocemos habilidades asociadas a un único gen y su comportamiento podría encajar con el de las enfermedades multifactoriales en las que se combinan factores genéticos y ambientales”.
En esta línea, Marta Bermejo Victoriano, psicóloga de Psicomaster, coincide en que, aunque las habilidades no se heredan, “sí lo hace la capacidad o aptitud que se requiere para que una persona desarrolle, con la práctica, esas habilidades”.

El talento creativo, más fácil de transmitir

Las sagas de artistas, podrían tener también su propia explicación científica, ya que un estudio de dos universidades suecas demostró la importancia de la carga genética a la hora de tener habilidades musicales. Y es que, parece ser, que las aptitudes creativas tienen más probabilidades de pasar de generación en generación.
Justo esta era la hipótesis que tenían Mark Roeling y su equipo, un grupo de investigadores de la Universidad de Oxford, antes de analizar a grupos de gemelos para descubrir cuánto hay de innato y cuánto de adquirido en sus inclinaciones profesionales. Para ello seleccionaron un grupo de gemelos con ADN idéntico y otros con el 50% del ADN compartido.
Las conclusiones del estudio, publicado en Behavioural Genetics, respondían a la pregunta de los investigadores: si uno de los hermanos se dedica a una profesión artística, ¿cuántas posibilidades hay de que su hermano también lo haga? El estudio demostró que había más similitudes en las carreras de los gemelos idénticos que en la de los no idénticos, por lo que la genética juega un papel clave en la elección.

Imitando roles

Pero además de la carga genética, hay un alto componente de emulación por parte de los hijos. Esto ocurre porque “los padres son los mayores referentes de los niños desde que nacen. Los bebés aprenden por imitación, tenemos el cerebro programado para ello”, explica Marta Bermejo.
Por eso, en muchas ocasiones, los hijos deciden seguir el camino de sus progenitores en la selección de carreras profesionales. Investigadores de Facebook han analizado los datos de 5.6 millones de personas, concluyendo que algunas profesiones tienen más probabilidades de ser escogidas también por los hijos como la de enfermeros, científicos o abogados.
Pero aunque creamos que la predisposición genética ayudará a nuestros hijos a desarrollar mejor los talentos que han heredado, la práctica es la que hace que destaquen. “Es habitual que los niños practiquen aquellas cosas que se les dan bien a los padres porque les incluyen en su rutina y al final terminan siendo buenos en ello” explica Marta Bermejo.

Por lo tanto, hay que tener en cuenta que no es condición necesaria haber heredado algunas aptitudes para ser bueno en algo, puesto que la práctica de una actividad puede conducir igualmente a desarrollar las habilidades necesarias para ser excelente.
http://as.com/buenavida/2017/02/27/portada/1488231952_855754.html?omnil=resscrlltit








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